PROYECTO EXPOSITIVO SOLEDADES

 

Proyecto Expositivo

 

 

S o l e d a d e s

UNA TRILOGÍA Y UN EPÍLOGO

 

  

  

Introducción

 

 

Hay una soledad de las personas y otra de los objetos, en la primera las emociones son reflexivas, en la segunda hallamos la contemplación de lo que hay alrededor.

 

Somos protagonistas o espectadores.

 

El Proyecto expositivo “Soledades”, paradójicamente, es una conversación silenciosa de artistas que no se conocen personalmente.

 

 

 

 Presentación

 

Atelier Galería del Arte presenta obras realizadas por artistas españoles.

 

 

   

En el primer capítulo, el referente.

 

  

 

El espejo

Juan Genovés, con su obra "El espejo", grabado en técnica giclée, es la inspiración de este Proyecto Expositivo, porque transmite el sentimiento de inmensidad de la soledad: nadie está más sólo que quien únicamente tiene el reflejo de su imagen.

 

 

Y podemos ver este “Espejo” junto a la portada del disco “Silencio” que Juan Genovés realizó para Adolfo Celdrán, porque el silencio refleja la mayor soledad, donde ya no hay palabras.

 

Breve reseña biográfica

 

La motivación socio-política, su compromiso social y el estilo artístico que tenía Juan Genovés, con un gran poder de comunicación, que buscaba crear en el receptor una emoción y una experiencia estética, lo llevó a crear una de las imágenes más icónicas de la Transición, su obra El Abrazo, que comenzó en 1974 siendo un cartel de Amnistía Internacional para pedir la liberación de los presos del Régimen franquista y terminó, en 2003, como escultura en la Plaza de Antón Martín, de Madrid, simbolizando la reconciliación. De esta obra realizó unas maquetas Enrejados, quizás porque a causa del Cartel acabó en la soledad de la cárcel. Su última escultura, titulada Transbase, está también inspirada en este abrazo que lo representa todo para Juan Genovés: la concordia, el encuentro, el fin de la soledad. 

De la militancia política pasó a la militancia cultural y durante toda su vida investigó las multitudes y la soledad, dibijando a cada persona en concreto. Sus figuras humanas aparecen siempre sin paisaje, sin elementos externos.

 

Su arte era social, puro expresionismo político-social, su pintura pasó del informalismo del arte abstracto a ser una Pintura figurativa con personalidad propia, con gran influencia fotográfica y fílmica, y con reminiscencias del art pop norteamericano.

 

 

"La pintura no está hecha para decorar las paredes. Está hecha para la reflexión, para el pensamiento, para convivir con la sociedad, para dialogar junto con las otras artes, sobre los problemas sociales, para ver lo que no imaginamos, ¡para tantas cosas! También para la lucha por cambiar la sociedad con sentido de progreso, para acompañar ese cambio." (Juan Genovés)

 

 

  

En el segundo capítulo tres artistas dialogan, sin conocerse personalmente, sobre el sentido de las diferentes soledades, desde la perspectiva del tiempo y el espacio, del espectador y del protagonista.

   

En el tiempo

La pintura de José Pedro Aznárez ha ido progresando lentamente hacia un despojamiento elemental, se ha ido adelgazando en busca de la luz primera, esa nada que nos hace humanos y nos enseña el álgebra de la sencillez: una sombra, un reflejo en el agua, la soledad de una columna o el callado canto de una fuente en la soledad de un claustro. La figura humana casi ha desaparecido, pasa a segundo plano, se ha convertido en el observador del maravilloso espectáculo de la vida, es el ser que mira y el espectador ve a través de sus ojos.

 

Antonio Machado definió la poesía como "la palabra esencial en el tiempo".

 

“De mi cartera”

 

I

Ni mármol duro y eterno,

ni música y pintura,

sino palabra en el tiempo.

 

II

Canto y cuento es la poesía.

Se canta una viva historia,

contando su melodía.

III

Crea el alma sus riberas;

montes de ceniza y plomo,

sotillos de primavera.

           

IV

Toda la imaginería

que no ha brotado del río

barata bisutería.

 

V

Prefiere la rima pobre,

la asonancia indefinida.

Cuando nada cuenta el canto,

acaso huelga la rima.

 

VI

Verso libre, verso libre…

Líbrate, mejor, del verso

cuando te esclavice.

 

 

VII

La rima verbal y pobre,

y temporal, es la rica.

El adjetivo y el nombre,

remansos del agua limpia,

son accidentes del verbo

en la gramática lírica,

del Hoy que será Mañana,

del Ayer que es Todavía.

(Antonio Machado)

 

 

Lo más difícil en la pintura (también en la poesía) es captar la aparente sencillez de lo más simple: la luz afilada y fría de una mañana de otoño, el agua que va dibujando en la fuente su propio fantasma o la gratuita belleza de la silueta de una catedral al caer la tarde, eso es sumamente complicado trasladarlo al papel o al lienzo sin que pierda su belleza primigenia. 

 

Quizá lo más bello sea lo más simple, lo que ha perdido todo y se queda en su esqueleto fundante; una columna románica, lisa, pulida, sin más adorno que su sola línea, repetida en la abadía de monjas cistercienses de San Andrés de Arroyo o en San Martín de Frómista. 

 

Cuánto sabían de despojamiento y soledades los maestros canteros de aquellos páramos y de aquellos siglos oscuros que hoy nos dan tanta luz. 

 

Lo sencillo, lo simple, igual que la mirada de un niño o los ojos de un inocente, es la luz del mundo, sin ese resplandor estaríamos perdidos.

 

 

 

Breve reseña biográfica

José Pedro Aznárez es Licenciado en Bellas Artes, Licenciado en Historia del Arte, Doctor en Bellas Artes, Master en Intervención Socioeducativa en Ámbitos comunitarios: la Animación Sociocultural, Formación en Psicoterapia Gestalt y Bioenergética. Ha sido Asesor Centro del Profesorado de Sevilla y Profesor Asociado Universidad de Huelva en el Área Didáctica de la Expresión Plástica. Actualmente, es Profesor  de Artes Plásticas y Diseño en la Escuela de Arte de Sevilla, en el Departamento de Volumen.

Ha participado en la Exposición colectiva Armazón sobre la Agenda 2030 con la obra “Cada hijo, cada hija, es, en cierto modo hijo de todos”, que representa el ODS 2, el fin de la pobreza. También participa en la colectiva “Todo pasará” con la obra “Volveremos a abrazarnos”.

 

 

En el espacio

Los espacios son el espejo de las soledades. Vivimos en un mundo en el que la imagen se ha convertido en nuestro principal medio de comunicación. Una imagen vale más que mil palabras. Curro Cassillas lo sabe y con sus fotografías expresa todo lo que ve sin emplear ni una palabra, quizás porque retrata ese silencio de la soledad que nos acompaña y que vemos.

 

 

 

Breve reseña biográfica

Curro Cassillas se licenció en Bellas Artes en la Escuela Universitaria de Sevilla, con la especialidad de diseño gráfico y técnicas de estampación. Interesado por la fotografía terminó uniendo las dos técnicas en lo que él denomina pictografía. Muchas de sus obras representan el paisaje urbano de Sevilla y la costa gaditana. 

Contínuamente extrae la belleza haciendo fotografías cuando pasea y después las trabaja con diversas técnicas para expresar lo que ven sus ojos cuando contempla el paisaje, los objetos, las personas…y encuentra un motivo para fotografiarlas.

  

Desigualdades

La artista Pilar Fernández combina imaginación y realidad y logra plasmar la soledad de forma excepcional.

En sus obras de arte nos convertimos no solo en espectadores, sino en participantes. 

Podemos sentir el mismo sentimiento de soledad que sienten los protagonistas de sus obras.

Con la contemplación de esta colección de pinturas podemos alcanzar a comprender la tremenda soledad de quienes no tienen nada, de las personas excluidas o de quienes formando parte de la sociedad incluso se sienten solos y aislados.

En esta época existe un efecto colateral tremendo contra el que debemos luchar: la soledad que nos ha traído esta pandemia.

Muchas personas ya eran antes víctimas de la soledad, ahora lo somos un poco todos.

Plasmarlo a través del arte y llegar al mayor número de personas posibles nos sensibiliza sobre este efecto secundario del Covid y nos hace reflexionar sobre la importancia de vivir en sociedad, juntos, cercanos y ayudarnos.

 

“Tanto cuando pinto como cuando escribo comunico mi preocupación por la pobreza y la inmigración, me obsesiona, intento siempre comunicar valores” (Pilar Fernández)

 

 

 

Breve reseña biográfica

 

Pilar Fernández es una artista autodidacta, que ha ganado varios premios de pintura, entre ellos, es dos veces ganadora del primer premio Manuel Antolín del Obrero Extremeño de Almendralejo.

En la actualidad está volcada en la ilustración digital y en la escritura de cuentos infantiles  reivindicativos y que comunican valores. Ha ilustrado cuentos, acaba de editar su primer libro de cuentos, “Superamigos”, y está inmersa en otros proyectos artístico-literarios que pronto saldrán a la luz.

Domina el dibujo, con pastel, carboncillo, lápiz o bolígrafo, realiza pinturas en óleo sobre tabla, y utiliza las técnicas de rotulación digital.

Participa en la Exposición colectiva “Todo pasará”.

  

En el tercer capítulo, dos artistas, que tampoco se conocen personalmente, son los que continúan con un diálogo que mira a la tierra y al cielo, las flores y el universo. 

 

 

  

El ladrón de flores

 

El artista Javier Rego presenta una exposición fotográfica surgida en 2020 al concluir el primer confinamiento por la pandemia de la Covid-19. 

El confinamiento total que vivió España entre marzo y mayo de 2020 como medida sanitaria preventiva para evitar la propagación de la pandemia de la Covid-19 provocó muchos efectos emocionales. El aislamiento social conllevó problemas psicológicos y de angustia y depresión. Sin embargo, esa obligada cuarentena también activó nuestras neuronas y a muchos les empujó, removiendo su imaginación, a la creación artística.

 

Ese fue el caso del artista madrileño Javier Rego en "El ladrón de flores", un proyecto fotográfico que nació en 2020 coincidiendo con el final del primer confinamiento general por la pandemia de la Covid-19.

 

Esta colección de flores es llamada de atención a conservar nuestra naturaleza.

 

Las obras que se exponen, una selección de las 300 realizadas por Javier Rego, están impresas en papel de acuarela con el propósito de ofrecer al espectador una apariencia pictórica. Los colores rojos, amarillos, blancos, morados o azules de las distintas flores que en la exposición se muestran, proporcionan ese aspecto multicolor que nos brinda la naturaleza y que el fotógrafo ha captado con su cámara utilizando la luz natural.

 

 

 

ME DIJO UN ALBA DE LA PRIMAVERA

 

Me dijo un alba de la primavera:

—Yo florecí en tu corazón sombrío

ha muchos años, caminante viejo

que no cortas las flores del camino.

Tu corazón de sombra, ¿acaso guarda

el viejo aroma de mis viejos lirios?

¿Perfuman aun mis rosas la alba frente

del hada de tu sueño adamantino?

Respondí a la mañana:

—Sólo tienen cristal los sueños míos.

Yo no conozco el hada de mis sueños,

ni sé si está mi corazón florido.

Pero si aguardas la mañana pura

que ha de romper el vaso cristalino,

quizás el hada te dará tus rosas;

mí corazón, tus lirios.

 

(Antonio Machado)

 

 

 

 

“La idea surgió durante los primeros paseos que en horarios controlados nos permitían dar. En mi caso salía acompañado de mi cámara fotográfica y mi primer interés se centró en fotografiar cómo dejábamos maltrecho el campo, los parques, los jardines, la naturaleza llena de mascarillas y guantes. Me daba la impresión que, en general, no habíamos aprendido nada o muy poco de esta pandemia en lo que a la conservación del medio natural se refiere.

 

Así pues, cansado de volver a casa cada día con decenas de fotografías que confirmaban la irresponsabilidad de abandonar por el suelo bienes que nos protegían de contraer el coronavirus, pero que convertían nuestro medio natural en un estercolero generando un nuevo tipo de basuraleza y provocando un grave impacto ambiental, fue cuando decidí ir sustrayendo algunos ejemplares de flores de parques, del campo, de jardineras…, para luego fotografiarlos en casa con luz natural.

 

El ladrón de flores es una llamada de atención para que aprendamos a conservar y preservar nuestra naturaleza. De hecho, para poner el acento en la fragilidad del medio ambiente, las flores cortadas se han fotografiado en diferentes recipientes de cristal simbolizando con ello lo quebradizo que puede llegar a ser el medio natural si no lo cuidamos de la manera adecuada, el espectador que visite la muestra podrá comprobar que los ejemplares de flores fotografiadas se pueden encontrar en cualquier sitio, desde el campo hasta en una maceta de nuestras terrazas porque no son especies raras ni en peligro de extinción. Pero si seguimos tratando así la naturaleza, en un futuro no muy lejano sí que pueden llegar a desaparecer” (Javier Rego)

Breve reseña biográfica.

 

Javier Rego (Madrid, 1954) es un artista multidisciplinar, cuya obra se centra en la fotografía, la escultura y la literatura con un mismo objetivo: hacer reflexionar al espectador o al lector sobre la importancia del arte en nuestras vidas.

Cuenta con numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto en fotografía como en escultura, y ha obtenido varios premios.

Ha sido organizador y comisario de las cinco ediciones del encuentro nacional de fotografía DEARTE. "El ladrón de flores" no es la primera incursión que Javier Rego realiza en la clásica relación entre la fotografía y la naturaleza. Otros proyectos fotográficos suyos en esta materia han sido: "Plantagramas", "Bella tierra durmiente", "Cielo y piedra" o "Tapiz otoñal" y "Flores en mi equipaje".

 

  

   

Universos

 

El artista Tony Lara nos invita a reflexionar desde lo más profundo de nuestro ser para –cuestionando nuestro presente– intentar entender en qué dimensión nos encontramos. Nos lleva la mirada a las estrellas, hacia otras galaxias, a concebir un nuevo camino hacia un próximo y no tan lejano mañana. Mientras albergamos la inquietud de encontrar nuevos mundos habitables dejamos de cuidar con más cariño y atención el mundo que nos contiene. 

 

ToLara desarrolla una imaginativa aproximación desde el arte abstracto, inspirándose en las actuales teorías de la Física, como la "Interpretación de Mundos Múltiples”.

Su perspectiva señala la paradoja de la libertad sin tenerla, es el sueño con un futuro en el espacio exterior y nos hace recapacitar sobre un porvenir sostenible. 

 

Mario Ronchel, músico y creador de música electrónica, aporta al proyecto una banda sonora para sumergir más profundamente al espectador en la idea central de la exposición.

 

 

Tus ojos me recuerdan

 

Tus ojos me recuerdan

las noches de verano,

negra noche sin luna,

orilla al mar salado,

y un chispear de estrellas

de un cielo negro y bajo.

Tus ojos me recuerdan

las noches de verano.

Y tu morena cara,

los trigos requemados

de un suspirar de fuego

de los maduros campos.

 

Tus ojos me recuerdan

las noches de verano.

 

De tu morena cara,

de tu soñar gitano,

de tu mirar de sombra

quiero llenar mi vaso.

Me embriagaré una noche

de un cielo negro y bajo,

para cantar contigo,

orilla al mar salado,

una canción que deje

cenizas en los labios...

De tu mirar de sombra

quiero llenar mi vaso.

 

Tus ojos me recuerdan

las noches de verano.

 

(Antonio Machado)

 

Este poema se acompaña de música de Paco Ibáñez.

  

 

 

Tal vez la mano en sueños

 

Tal vez la mano, en sueño,

del sembrador de estrellas,

hizo sonar la música olvidada 

como una nota de la lira inmensa,

y la ola humilde a nuestros labios vino

 de unas pocas palabras verdaderas.

 

(Antonio Machado)

 

 

 

Sobre la clara estrella del ocaso

 

Sobre la clara estrella del ocaso,

como un alfanje, plateada, brilla

la luna en el crepúsculo de rosa

y en el fondo del agua ensombrecida.

El río lleva un numeroso acento

de sombra cristalina

bajo el puente de piedra, ¡Lento río

que me cantas su nombre, el alma mía

quiere arrojar a tu corriente pura

la ramita más lenta y más florida,

que encienda la primavera

en los verdes almendros de tu orilla!

Quiero verla caer, seguir, perderse

sobre tus ondas limpias.

Y he de llorar... Mi corazón contigo

flotará en tus rizadas lejanías.

¡Oh tarde como aquella y río lento

de sombra cristalina!...

Sobre la clara estrella del ocaso

la argéntea luna brilla.

 

(Antonio Machado)

 

 

“En Universos entran en juego constelaciones, estrellas y galaxias, así como nuestros propios océanos, mares, pueblos del pasado o ciudades utópicas". (Tony Lara)

 

 

 

Breve reseña biográfica

 

Tony Lara fue ganador del Premio de Artes Plásticas del ICAS - Ayuntamiento de Sevilla y ONG Adhara con su escultura: “Viviendo con el peso del metal”, situada en La Alameda de Hércules (Sevilla,  2015 “Día internacional contra el VIH”).

 

Además, como artista plástico ha sido responsable de un centenar de exposiciones individuales y colectivas  entre 2006 y 2021 (entre ellas, en la feria de arte contemporáneo SWISSARTEXPO en Zurich, de la mano de ArtBox Gallery (2019) o, junto al colectivo Armazón, la exposición de Arte Contemporáneo para la promoción de la Agenda 2030 estrenada en la Cumbre Mundial de ONU sobre el Clima - Cop25, posteriormente itinerante, donde representa el ODS 11, ciudades y comunidades sostenibles, con su obra “Ciudades utópicas: ciudad Gema 2030”. También participa en la Exposición colectiva “Todo pasará”.

 

  

 

Y en el epílogo, 17 artistas que sin conocerse entablan una conversación que acabará construyendo un canto.

 

  

  

Un epílogo:

Todo pasará

 

 

El arte es el lenguaje universal que trasciende fronteras físicas, idiomáticas, sociales, culturales y de cualquier tipo.

 

 

Los artistas desde siempre, comprometidos con la sociedad han contribuido con carteles, como hizo Juan Genovés con su cartel "El abrazo" para Amnistía Internacional.

 

 

En los momentos iniciales de la pandemia era importante transmitir mensajes de ánimo y esperanza y también que los artistas pudieran ayudar.

 

 

Durante los momentos más duros del confinamiento la asociación Armazón organizó una iniciativa artística de apoyo en la lucha contra el covid 19:

 

 

La iniciativa comenzó con la obra realizada por Jorge Ural: "TODO  PASARÁ", que fue convertida en Cartel y dio título a la Campaña de apoyo en la que colaboraron 17 ARTISTAS realizando obras que se convertían en carteles con mensajes de esperanza para apoyar a nuestros sanitarios y a la Plataforma Makers CoVida en la labor de proveer de medios necesarios en la emergencia sanitaria del Covid 19.

 

 

Ahora sigue siendo necesario, estamos agotados de tanto sufrimiento, de tanta dificultad de esta nueva realidad que llegó como una apisonadora.

 

 

La escultura que ocupa en centro de esta instalación de carteles de 17 artistas es del artista a José María Casanova.

 

 

La escultura "Solidaridad" está realizada con PLA patinado, como homenaje a las personas que han fallecido y que siguen falleciendo en esta pandemia, a las que han luchado y siguen luchando desde cualquiera de sus posibilidades contra el Covid19 y a todas las personas que desde sus habilidades se han involucrado voluntariamente en esta guerra contra la pandemia.

 

 

José María participó desde el principio en grupos de voluntarios con impresoras 3D, que, como la Plataforma Makers CoVIda, hicieron pantallas de protección facial para sanitarios y policías, adaptadores para Respiradores, filtros para las máscaras de buceo, mascarillas de tela...Otra gente aportó archivos stl, logística, materiales, organización etc. Sólo en los grupos de Telegram se llegaron a contabilizar 20.000 personas que ayudaban en la medida de sus posibilidades... y eran muchísimos más.

 

 

La escultura está fabricada con la misma impresora 3D y el mismo material con el que José María hacía sus aportaciones desde casa a la causa, sin lujos estéticos y con absoluta economía de medios como la gravedad de la ocasión lo requiere, para expresar sólo gratitud a unos y compasión a los que lo sufren o lo han sufrido.

 

 

El objetivo era ayudar a los que nos ayudan y comunicar mensajes de esperanza con los carteles que se entregaban junto a los materiales de protección, porque la civilización empieza cuando una persona ayuda a otra.

 

 

 

Las obras de los 17 artistas han formado con sus mensajes un precioso CANTO A LA ESPERANZA contra el COVID-19:

 

 

TODO PASARÁ

(Jorge Ural)

 

VOLVEREMOS A ABRAZARNOS

(José Pedro Aznárez)

 

CUANDO TODO ESTO PASE, EL OLOR DELAS ROSAS SERÁ UN MAR DE CARICIAS

(Amesa)

 

LA VIDA Y LA PRIMAVERA NO SE HAN DETENIDO

 (Leopoldina Valdemoro)

 

TODOS JUNTOS GANAREMOS

(Lola Álvarez)

 

NINGÚN DOLOR NOS DOBLEGARÁ

(Amesa)

 

VOLVEREMOS A SER LIBRES

(Toni Andreu)

 

SIEMPRE CON ESPERANZA

 (Eliana Muñoz y Ángeles Barea)

 

CUIDAR EL MUNDO

(Yolanda Pérez)

 

UNIDOS

(Eliana Muñoz y Ángeles Barea)

 

ENCERRAR AL BICHO

(Paco Parra)

 

LUCHAMOS TODOS JUNTOS

(Cristina Martín-Machuca)

 

NO TE RINDAS

 (Pablo Pelluz)

 

PRONTO VOLAREMOS

(Carmen Baena)

 

VOLVEREMOS A VERNOS

(Jesús Jiménez)

 

GRACIAS

 (Eliana Muñoz)

 

RESISTIRÉ, SALUD, PAZ, AMOR Y RESPETO

 (Tolara)

 

RENDIRSE NUNCA FUE UNA OPCIÓN Y AHORA MENOS

 (Pilar Fernández)

 

SOLIDARIDAD

 (José María Casanova)

 

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  OBJETIVO GENERAL DEL PROYECTO EXPOSITIVO:

 

 Este Proyecto expositivo pretende sensibilizar sobre nuestra propia capacidad para sobrellevar las soledades de la vida, porque no estamos solos ni siquiera en la soledad.

 

Y, a la vez, pretende impulsar el coleccionismo de arte, presentando diferentes formatos: obras únicas originales en diversas técnicas, grabados tradicionales y en técnica giclée, carteles y arte digital.

   

 

NOTA COMERCIAL GENERAL DE LA GALERÍA

 

Atelier Galería del Arte impulsa el coleccionismo de arte, presentando obras de artistas españoles en diferentes formatos: obras únicas originales en diversas técnicas (escultura, pintura, fotografía, video-arte, instalaciones…) grabados giclée, carteles y arte digital.

 

GRABADOS DIGITALES SERIADOS: OBRAS DE ARTE CON IMPRESIÓN EN TÉCNICA GICLÉE NUMERADAS Y FIRMADAS POR LOS ARTISTAS.

Reproducción de obras plásticas de arte impresas en alta resolución, con tintas pigmentadas resistentes a la decoloración y que se rocían por medio de boquillas estrechas de inyección de tinta sobre lienzo o papel. Las tintas pigmentadas se han diseñado específicamente para resistir la decoloración y preservar la impresión de manera prolongada.

Giclée sobre lienzo

Las reproducciones se imprimirán sobre lienzo Fine Art de 340 gramos de alta calidad con tintas de 12 colores.

 

Giclée sobre papel de acuarela mate

Las reproducciones se imprimirá sobre papel de acuarela Fine Art mate de 285 gramos o Guarro de 350 gramos.

Este papel blanco moldeado 100 % de algodón posee la más alta calidad y es ideal para la reproducción de obras de arte tradicionales.

 

Giclée sobre papel satinado

Las reproducciones se imprimirán sobre papel satinado de 260 gramos.

 

Todas nuestras resproducciones están firmadas por los artistas y numeradas.

 

ESPECIFICACIONES TÉCNICAS DEL PROYECTO EXPOSITIVO SOLEDADES:

 

“Soledades” es un proyecto expositivo flexible, que se adapta al espacio disponible:

 

Juan Genovés: 2 obras.

 

Pilar Fernández: de 4 obras a 14 obras.

 

Curro Cassillas: de 4 obras a 10 obras.

 

José Pedro Aznárez: de 4 obras a 44 obras.

 

Javier Rego: de 4 obras a 30 obras.

 

Tony Lara: de 4 obras a 24 obras.

 

NOTA COMERCIAL DEL PROYECTO EXPOSITIVO SOLEDADES

 

La obra de Juan Genovés y el disco con la portada realizada por el artista no están a la venta, pertenece a la colección permanente de Atelier Galería del Arte.

 

Las obras de El Ladrón de Flores pueden adquirirse en grabado giclée y digital.

 

Las obras de Pilar Fernández pueden adquirirse en en grabado giclée y digital.

 

Las obras de José Pedro Aznárez pueden adquirirse en grabado giclée y digital.

 

Las obras de Tony Lara pueden adquirirse tanto en formato original, como en grabado giclée y en formato digital.

 

Los carteles de los 17 artistas de “Todo pasará” están disponibles para venta.

La escultura de José María Casanova no está en venta.

  

Para solicitar precios y envío a cualquier lugar del  mundo puede contactar por los siguientes medios:

CONTACTO

 

ateliergaleriadelarte@gmail.com

 

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DE MONTEAGUDO DE LAS VICARÍAS (SORIA, ESPAÑA)

A CUALQUIER LUGAR DEL MUNDO