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sábado, 1 de mayo de 2021

SE INVITA A ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS A PARTICIPAR EN EL PROYECTO EXPOSITIVO "GRABADO EN NUESTRA MEMORIA"

 


Se invita a artistas contemporáneos a participar en este Proyecto Expositivo 

de Atelier Galería del Arte, 

que tiene sede central en la Villa de Monteagudo de las Vicarías (Soria-España), 

sede virtual en este Blog 

y sede efímera en cualquier ciudad del mundo.




Atelier Galería del Arte ha comenzado con la Exposición "Grabado en nuestra memoria" con obras de Patrimonio del Estado y de Colección particular, un Proyecto Expositivo con fines didácticos y de investigación.

Posteriormente Atelier Galería del Arte ha adquirido colección propia para continuar este Proyecto expositivo para impulsar el coleccionismo del arte del grabado, en sus formatos tradicionales y en los no tóxicos y digitales.

Los artistas que participan en la Edición Inicial de este Proyecto Expositivo, y otros muchos que hicieron lo mismo, nos marcaron el camino a seguir para democratizar el arte, el momento en el que producen su obra les marca absolutamente, no había ningún artista que estuviera con el Régimen dictatorial, todos estaban en la Resistencia.

Ahora también, durante la pandemia, se ha desarrollado una especie de "Resistencia" en la que participó el Movimiento Makers y algunos artistas han colaborado de forma muy directa, algunos además de obras en 3 D han realizado pantallas de protección facial y válvulas para respiradores no invasivos El formato digital en que se han difundido las obras en internet dando mensajes de ánimo algunos en forma de carteles me hizo pensar en los aspectos positivos que tiene la difusión de las obras de arte y recordar los inicios de Juan Genovés, en la Transición española, y de Eduardo Arroyo, en el Mayo de 1968.

En la Era Digital hace falta algo más que respetar el derecho moral de los artistas y mencionarlos cuando se difunde o utiliza su obra, hace falta poner en valor las obras seriables originales, la difusión gratuita puede ayudar a dar a conocer las obras, el mensaje de cada artista, nos aporta cultura a todos y, sin duda, aumenta el interés de poseer una de sus obras originales porque, cuando se produce una conexión en la memoria con una obra de arte, nace el interés por tenerla y las reproducciones seriables son más asequibles que una obra única original.

Lo que hace falta es continuar, revisando las técnicas del grabado para realizar grabados menos tóxicos con el medio ambiente y con la salud de los artistas e impulsar el coleccionismo de las obras gráficas seriables porque sería muy positivo para la Sociedad y para los artistas.














































































Reflexionemos: 

Del grabado tradicional al grabado menos tóxico....

la oportunidad de la revolución digital para el arte....

investiguemos...





Margarita Asuar

Curadora de Museos y Exposiciones
Comisaria de Arte
Galerista


ateliergaleriadelarte@gmail.com


y a través de whastapp en el teléfono:


0034 618169890




NOMENCLATURAS DE LOS GRABADOS

 


NOMENCLATURAS DE LOS GRABADOS


Una Edición de Grabado consiste en una serie donde todas las pruebas han sido impresas desde la misma Matriz. 

Para diferenciar cada obra impresa se utiliza un sistema de Nomenclaturas internacionalmente aceptado.

Una edición original marcada y documentada de esta manera no permite cambios de pruebas o falsificaciones.

La Nomenclatura tradicional, que tiene un numerador y un denominador, el título, la firma del Artista y la fecha.

El Numerador es un número concreto de esa impresión dentro de la serie representada por el Denominador, que es el número total de ejemplares.

La Edición se marca con números árabes, mientras las demás pruebas se marcan con números romanos.

Este número se escribe debajo de la imagen, seguido del título, la firma del Artista y la fecha del fin del tiraje. Esta información se escribe con lápiz grafito. Algunos Artistas ponen su sello o cuño.

 

Nomenclaturas usadas:

 

-    Pruebas de Edición:

 

Bon à Tirer (Lista para Tiraje ó Lista para imprimir) – BAT:


El BAT es la prueba definitiva que alcanza los estándares y objetivos del Artista. Sirve como modelo para el Tiraje de la Edición. El BAT puede ser impreso por el impresor bajo la supervisión del Artista. Debe llevar la marca BAT y la firma del Artista y la fecha. En determinadas técnicas puede no haber un BAT. Tradicionalmente el BAT pertenece siempre al Impresor y no posee valor comercial. Solo puede existir un Bon à Tirer por cada Edición.

 

El Tiraje (o Tirada):


Es la parte esencial de la Edición y constituye la porción comercial: éstas son las pruebas que circularán en el mercado. Están identificadas por una fracción en números árabes, firmada y fechada. El tiraje debe ser completamente uniforme y fiel al BAT.

 

Pruebas de Artista:


Son estampas aparte del Tiraje e impresas para el uso personal del Artista. No pueden exceder el 10% del total de la Edición y se marcan como PA ó P/A y un numerador y denominador en números romanos. Ya que la Prueba de Artista es idéntica a las pruebas de la Edición no se considera como especialmente valiosa desde el punto de vista comercial.

 

Hors Commerce:


Estas son pruebas no consideradas dentro del Tiraje e impresas para ser distribuidas entre los colaboradores en el proceso de estampación. Deben ser marcadas “Hors Commerce” o HC y sus numeradores y denominadores deben estar en números romanos, firmadas y fechadas.

 

Prueba de Taller:


Estas son pruebas fuera del tiraje reservadas para ser de propiedad del taller donde se imprimió la Edición. Deben marcarse PT o P/T, llevar el nombre del taller y la fracción acostumbrada en números romanos más firma y fecha. Generalmente el taller conserva al menos una prueba de cada edición impresa.

 

Prueba de Impresor:


Cuando se realiza una Edición Colaborativa o un Impresor es comisionado para hacer el tiraje de una matriz determinada deben reservarse pruebas marcadas PI para ser entregadas al impresor. Estas pruebas llevan la acostumbrada numeración en números romanos más firma y fecha. No deben exceder el 10% del total de la Edición.

 

Prueba Realzada:


Estas son pruebas que poseen adiciones o colores agregados manualmente y que no están en la Matriz original (acuarela, témpera, tinta, etc). La clase de realce debe ser indicado en el Certificado de Autenticidad. Los realces deben ser previstos antes de la firma de la Edición y han de ser consistentes a lo largo de ésta.

 

 Espécimen:


Las Pruebas de Espécimen son pruebas usadas como muestra (para fotografía, reproducciones de imprenta, publicidad, digitalización, demostraciones o exhibiciones). Estas pruebas no llevan firma del Artista y tampoco llevan numeración, Deben marcarse como “Espécimen” y no poseen valor comercial. Normalmente se les corta o perfora una esquina.

 

 

-   Pruebas fuera de la Edición:

 

Estas pruebas constituyen los pasos seguidos hasta llegar al BAT. No llevan firma ni circulan en el mercado.

 

Pruebas de Estado:


Estas son pruebas que muestran la evolución de la imagen en la Matriz durante distintas fases del proceso creativo. Son pruebas sin terminar que pertenecen al Artista. Como mucho el Artista puede marcarlas con sus iniciales y numerarlas correlativamente con números árabes.

 

Pruebas de Ensayo:


Son pruebas hechas para verificar la calidad de la impresión. Se ocupan para ajustar tintas, presión en las prensas y tipos de papel.


 

Prueba de Cancelación:


Esta es una prueba impresa para certificar el fin de un tiraje luego de que la Matriz ha sido alterada permanentemente, modificada en un porcentaje alto o perforada y dañada mediante rayones y cortes. La prueba de Cancelación es un registro del fin de una Edición. Además garantiza el límite de un tiraje ya que comprueba que la Matriz no podrá ser utilizada para volver a imprimir desde ella una nueva edición.


Si es el mismo artista quien imprime su Edición, la Prueba de Cancelación queda en su poder. Si no es así queda en poder del Impresor. Se aconseja anotar en esta prueba el número total de impresiones hechas antes de cancelar y la fecha.”

 

 

 

martes, 20 de abril de 2021

ALFONSO ALBACETE

 



Alfonso Albacete

 

Despersonificar, intentando que la persona que se dibuja no sea nadie y deslocalizar, para que no sea ningún lugar concreto....

 

Porque el arte es todas las personas y todos los lugares...

 

Artista, pintor y grabador, español nacido en Antequera (Málaga) en 1950. Se trasladó muy joven con su familia a Murcia, donde con 9 años fue discípulo del republicano Juan Bonafé Bourguignon. Estudió Bellas Artes de Valencia y arquitectura Madrid. Pertenece por generación de la Nueva Figuración madrileña de los años setenta (Miguel Ángel Campano Mendaza, Herminio Molero, Manolo Quejido, Carlos Franco, Guillermo Pérez Villalta, el fotógrafo Luis Pérez Mínguez, Carlos García Alcolea, Luis Gordillo, Chema Cobo), apodados Los Esquizos de Madrid, trataron, tanto en lo profesional como en lo personal, de pasar de las convenciones estéticas y políticas del franquismo y alcanzaron un discurso artístico original que se adelantó a la Transvanguardia y se separó de la corriente del arte Pop, con una pintura cosmopolita que se alejaba de la conceptual del Grupo El Paso, creando un espacio alternativo.

 

Sus obras transitan desde entre la figuración y la abstracción. Se caracterizan por un rico cromatismo vital y una firme estructuración en sus composiciones con figuras y espacios luminosos, influido por la abstracción americana y el pop art. Y se aprecia en sus obras  su profundo análisis de la obra de Cézanne y Picasso, Caravaggio, José de Ribera, José Guerrero, De Kooning, Jasper Johns, Gerhard Richter, Rauschenberg y Kiefer.

 

Impresndibles sus obras Destiempo 10 Mañana (2016), Variante 10 y Casa-Taller (2016) y Destiempo 4 Taller-Escuela (2017).


En sus grabados utiliza la técnica de la serigrafía y aguatinta, utiliza la perspectiva a la perfección y crea espacios de luz y color, llegando a la abstracción de las figuras convirtiendo los elementos de sus obras en símbolos, curiosamente he encontrado también entre sus grabados las espirales.

 


El artista en sus frases:

 

“Hay una relación con la pintura que cambia según se plantee en un lugar exterior o interior. El interior siempre lo identifico con el estudio o con el espacio expositivo y la situación exterior, el paisaje que siempre es un fragmento de algo porque es un elemento completo en el que te tienes que reducir a una parte. El interior es algo mental, algo que sale de tu cabeza. En cambio el paisaje exterior tiene algo de abstracción donde aparecen muchos elementos de azar.

Voy recopilando datos o imágenes que me interesan como puede ser el paisaje fugaz desde una ventanilla de un tren; la dejas, la fijas, la vas conectando con otras imágenes y al final elaboro un discurso alrededor de eso que procuro que quede lo más claro posible antes de meterme en el proceso. Para mí el proceso de pintar tiene su propia vida, es una especie de performance.

Lo que intento es dar una situación bastante abierta, acoto el tema pero sin cerrarlo totalmente. Pienso que uno de los grandes valores de las artes plásticas, sobre todo de la pintura, es que supera la narrativa que lo ha generado. Pasa también en la pintura antigua, mucha gente que ve cuadros antiguos no sabe realmente cuál es el discurso que lo generó y sin embargo puede volcar su pensamiento. La persona que mira una obra mía no tiene la misma cultura, ni los sentimientos, ni los deseos que yo, así que le propongo algo. Cada vez creo más que la atracción de la pintura se da porque el espectador se sitúa en el papel del artista, se imagina el modelo o la idea y al mismo tiempo tiene el resultado final.”

 










La FOTOGRAFÍA del artista Alfonso Albacete utilizada en el Catálogo y en el Blog es del archivo del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), realizada delante de su cuadro  “Natura uno (Cuadro del Huerto)”, en 2013, publicada en El Cultural, el 8 de noviembre 2018, en el artículo “Alfonso Albacete, la pintura autoconsciente” de Fernando Díaz de Quijano:

 

https://elcultural.com/Alfonso-Albacete-la-pintura-autoconsciente

 

 

ARCHIVOS UTILIZADOS PARA ELABORAR LOS TEXTOS:

 

https://es.wikipedia.org/wiki/Alfonso_Albacete_(pintor)

 

 

https://elpais.com/diario/2010/01/21/andalucia/1264029736_850215.html

 

 

https://www.galeriamarlborough.com/artista-ficha.php?url=alfonso-albacete

 

 

http://www.caac.es/programa/alb2018/frame.htm

 

 

https://alomarediciones.es/portfolio-item/alfonso-albacete-grabados/

 

 

https://www.diariosur.es/v/20140215/cultura/viaje-interior-alfonso-albacete-20140215.html

 

 

https://www.mutualart.com/Artwork/Absalon/B7E0A3948F164B71

 

 

https://riunet.upv.es/bitstream/handle/10251/15179/tesisUPV3752.pdf?sequence=1

 

 

http://www.compradarte.com/alfonso-albacete-artistas-murcianos-interior-no13-medio-dia

 

 

https://elcultural.com/Alfonso-Albacete

 

https://elcultural.com/Alfonso-Albacete-la-pintura-autoconsciente

 

https://www.diariodesevilla.es/ocio/Alfonso-Albacete-Retrospectiva-CAAC_0_1315668707.html

 

https://www.lavanguardia.com/vida/20201211/6112985/alfonso-albacete-expone-pinturas-analogicas-biografia-fragmentada.html

 


VÍDEOS


























JOAQUÍN CAPA

 





Joaquín Capa


"Dejar dormir la tela" para proyectar los resultados precisos que quiere obtener.


 El arte como Universo.


Artista, pintor y grabador, español nacido en Santander en 1941. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid, Filosofía en Roma y Madrid, Arquitectura en Madrid y Sociología del Arte en París. Se inició en el grabado en Madrid con el grabador griego, Dimitri Papageorgiu. Tiene una estrecha relación con la India donde ha sido profesor de la Universidad de Baroda.

 

Se aleja de los convencionalismos y su amplia cultura le lleva a crear a propósito un universo propio basado en el color.

Es uno de los principales artistas españoles del arte abstracto, con proyección internacional. Investigó la abstracción pura, la técnica y la materia, sin signos reconocibles de realidad figurativa. Su obra es un a meditación sobre los componentes fundamentales de la pintura.

 

En sus grabados utiliza técnicas tradicionales, como la serigrafía y la litografía, pero también utiliza la estampa digital, alcanza en su obra gráfica un cromatismo propio de los óleos sobre lienzo, con colores llamativos y fluorescentes, creando un universo absolutamente personal.

 

El artista en sus frases:


“Cada artista tiene un mundo, tienes tus mundos personales, una manera de componer, de colocar los colores, de relacionarlos, y este mundo va al grabado, a la pintura o a la escultura.”

 

"Yo siempre he sido abstracto, y lo que tengo cada vez más claro es que la pintura es color, colores y “colorines”, y qué pasa con los colores, que son enormemente relativos, dependen del que tengan al lado, del que esté superpuesto. A veces poniendo muchos colorines se anulan entre ellos, fíjate que uso en pintura y en grabado colores fluorescentes, pero hay que administrarlos bien. Hay series de grabados en las que he aprovechado a veces las planchas, interpretándolas con distintos colores o invirtiéndolas. Hay una anécdota divertida de Picasso: el primer grabado que hace es un picador y se llama El picador zurdo porque lo hizo como si dibujara y claro, sale picando hacia la izquierda."









































La Galería AGA cierra sus puertas en Monteagudo de las Vicarías.

  La Galería AGA cierra sus puertas definitivamente en Monteagudo de las Vicarías. Con la ilusión de realizar un proyecto de desarrollo loca...